Inspiré du luminisme classique, nourri par ses lectures des philosophes et théoriciens de l’art, Gabriel Watmann, travaille dans ses peintures, tant la profondeur que la surface. Le visage, fruit d’une relation empreinte d’humanité avec son modèle, fut son objet de prédilection quant à son expression et son accroche de la lumière. L’objet, la personne est aussi prétexte sous certaines lumières à traduire les dédoublements. L’éclairage fait ressortir les traits, le relief, le modelé, la profondeur du visage, accusant une présence dramatique, habitée. Les paysages, plus rares dans sa production, deviennent alors visages du paysage. « Mes préoccupations sont vraiment de l’ordre de la perception(…)à travers l’humain et à travers « l’aura » si l’on peut dire. »
Gabriel Watmann cherche à conceptualiser la technique dans son approche du modelé, car le sujet est la « lumière ». Il s’interroge sur l’équilibre entre déconstruction et construction « comment déconstruire en étant construit et construire en étant déconstruit ». L’artiste travaille par taches qui articulent couleur et lumière dont le contraste morcelle le visage, lui conférant une dimension irréelle. Une lumière intérieure semble en émaner.
Ainsi lorsqu’il travaille la forme abstraite, Gabriel Watmann tente de ne retenir que la lumière, espace immatériel capté au-delà des bords. Le cercle et ses anneaux, les aplats en bandes, forment une expansion, qui semble contenue, arrêtée, découpée par la toile, la toile devient l’objet. Dans cette peinture, la peinture sans objet, comme un contenu sans contenant, la couleur devient lumière, qui devient elle-même luminescence. Le soyeux, le moiré ou l’opalescence de la teinte induisent un effet de magnétisme chromatique, « d’apparition évanescente et impalpable. », changeantes d’un instant à l’autre.